採訪編輯、評論：黃楚涵
（《山中之石, 石中之山》尺⼨依場地更改，⽯頭、⼤理⽯、⽊頭、紙張、感光乳劑、複合性⽔性樹脂，拍攝於倫敦 Back Room Gallery, 2022。照片提供：鄧安庭）
照片作為物件，物件作為照片
鄧安庭在英國研究攝影與雕塑之間的關係時，以法國雕塑家 Constantin Brâncuși 拍攝自己作品的照片為起點。她發現在這些照片中，Brâncuși 除了採用柔和而平均的光線外，他也會運用聚光，或是藉由強烈的光線穿透窗框，使其輪廓映照在銅製雕塑上。作品在高對比的光影「再雕塑」下，呈現出現實中難以再現的樣貌。這使得鄧安庭開始好奇雕塑家在拍攝作品時所扮演的角色，並思考著當作品無法在現實生活中達到照片所呈現的效果時，這些照片是否為雕塑家心目中的完美雕塑？而它究竟是雕塑還是照片？Brâncuși 激發鄧安庭進一步地探討：照片是否可成為一件有別於紙張的藝術品，而這件作品能否同時也是一張照片？並創作出《山中之石，石中之山》系列。
在照片講求校色精準且可重複印刷的時空下，鄧安庭反其道而行地將難以控制的感光乳劑（liquid emulsion）塗抹在現成物與雕塑上後，於暗房曝光顯影，使得照片變得不可複製且不完美，成為一件件獨一無二的藝術品。「感光乳劑對我來說，就像在畫一張畫。從塗布再顯影的時候，它的材料質地都在變化，因此你根本沒辦法印出完全一模一樣的照片。在這過程中，我彷彿在攝影裡面找到一個開口——攝影的反向。」對於感光乳劑，她如此描述著。
感光乳劑使鄧安庭學會慢下來，以及不對許多事情抱持過多的想像和期待，讓她得以擁抱那些不經意跑出來的反應，並開始用不一樣的眼光去看待同一件事情。從挑選筆刷和滾輪、決定使用哪一張影像印在哪一件材質上，到加熱、混合藥水、塗抹與晾乾，最後曝光顯影。假如失敗了，她便一再重複同樣的循環，每次印製過程都在鍛鍊她的心態。
（⼩風景（左），2022，7x10x1.5 cm，⽊頭、紙張、感光乳劑/ 樹、湖泊與⼭脈（右），2022 57x77x3.5m ，紙張、⽊頭， 感光乳劑。照片提供：鄧安庭）
鄧安庭在創作時，她並不會去擺拍，或是拍攝人物的故事。她傾向跟隨她的直覺，接受所有的可能性；或是在不期而遇中，找到作品和媒材間的連結。如她在倫敦撿到的一小塊大理石，使她想起過去在台灣與朋友衝浪時，所拍攝的一張輪廓與之相似的小島照片，因此她便很直覺地將兩者結合在一起。感光乳劑所特有的附著度、泡沫痕和脆弱的性質，讓照片透出大理石原有的紋路與色澤；放相水洗後所產生的裂痕與剝落痕跡，使得這件作品像是可拿在手中的老舊回憶；筆刷所塗抹的筆觸和流動感，更是能感受到當下的海風與水氣。
(島中之⽯，⽯中之島，2022，11x14x1.5cm，⼤理⽯、感光乳劑。照片提供：鄧安庭)
從自然到人工，再從人工顯影自然
許多人看到一處風景時，常直覺地欲拍下一幅完整的景緻。鄧安庭則是從完整的景色中，取其中的局部作為試條；假如試出了她滿意的結果，那塊小試條將成為最終的作品。對鄧安庭而言，那些小試條在放相後，也是一張張獨立的照片，如同在原本的全景中，重新再取景。這些局部的照片，好似原本風景中的檔案、資料庫，每當鄧安庭檢視這些照片時，她對於照片、石頭上的花紋、大自然的看法、以及人類如何和大自然共存等看得越發仔細，並產生新的想法。
在鄧安庭印製許多小小的大理石時，不斷地實驗與自我對話，釐清自己、作品與這些大自然產物間的關係。創作時，她聯想著每塊大理石都是在大自然中，歷經千萬年的時間堆積、打磨與風化，無意間被人類採集使用再加工後的碎片，最後來到鄧安庭的手上。隨後，她再以人工的方式將大自然的影象印製在大理石上，使得這些石頭上的照片，如同大自然本身顯露在大自然上。鄧安庭將這需經悠久時間才能形成的大環境，截取其中的時空碎片，並固定於一塊小小的碎石上。當這些石塊印有了照片，它就像被賦予了新生命，無論是復刻它們原本的回憶，或是被賦予新的想像，它們都不再只是石塊，而像是這個世界經歷物換星移後，所遺留的痕跡。
( 反射，2022，14x18.3x2cm，⼤理⽯、感光乳劑。照片提供：鄧安庭)
鄧安庭的作品中，〈樹枝〉為葉形石頭上印有一棵樹幹的照片，樹幹像葉脈般地貫穿石頭的中間，彷彿能從一片葉子中，看到一棵樹的全貌，而這樣的一棵大樹，又與石頭呈現尺度的對比；〈雲霧中的松樹〉則是在白色的石塊上，印上高聳的松樹，感光乳劑較不易附著於光滑面上的現象，使得照片在石塊上呈現水墨畫般地質地，猶如國畫畫家們想將眼前的風景畫下來，當下人與自然同在的情境；在〈小風景〉與〈山谷〉中，粗糙的手工紙紋路與乳劑的銀鹽反應，加深了岩石、砂石地的質感，再搭配乳劑所產生的泡沫痕與筆刷痕，有著風吹過砂石的流動感，使得照片中的山景在視覺上，呈現出山本身的立體與層次。
（左：樹枝, 2022, 2.5 x 10.8 x 2.5cm。提供：鄧安庭）
（右：雲霧中的松樹, 2020, 7 x 18 x 2cm。提供：鄧安庭）
鄧安庭的作品沒有固定的尺寸、紋理、質地、形狀與顏色，如同大自然的各種元素。她在撿拾這些石塊時，同時也感受著大自然在這漫長時間中，安靜地觀察世界的變化。她認為：「大自然更純粹更簡單一點，它們沒有語言，沒有辦法跟我們溝通。然後我就會覺得，它們或許比我們更清楚理解這個世界，所以它們更值得我們去關注。」因此她會把關注大自然的過程，視為與大自然間的對話。
(⼩風景，2022，7x10x1.5 cm，⽊頭、紙張、感光乳劑。照片提供：鄧安庭)
所有人事物皆是息息相關
鄧安庭除複合媒材作品外，亦有製作手工書及策劃展覽的經驗。她喜歡一種名為蟬衣宣的宣紙，上面所佈滿的雲母片，讓她聯想到銀鹽。輕柔又樸實的紙頁，搭配著中式線裝的裝幀，亦很符合鄧安庭創作時一向重視的手作與媒材質地。黑白照片與帶有光澤的書頁，重現了感光乳劑印在手工紙上的紙質感，半透明的紙頁透出前一頁的照片，好似行經山林時，方才路過的景色依然在腦海留下印象，傳達出在觀看、親近大自然時，所帶給人靜謐的感受與純粹。
（《山中之⽯，⽯中之山》一書內頁，15x 21.8 cm。照片提供：鄧安庭）
鄧安庭在策劃展覽的時候，也將其視為作品的一部分呈現，思考著作品和人的距離與關係，以及作品和作品之間的狀態。她從博物館、考古學與商品櫥窗的陳列汲取靈感，並保留著工作室的氛圍，使得每件作品都有自己的視覺角度，甚至能呼應彼此。她表示：「我的創作過程中，從暗房離開之後到工作室，是一個很重要的一環。創作時我不斷地摸索，並尋找作品、人與工作室關聯的地方，希望可以傳遞給觀者某種特定的情境、氛圍，以及保留工作室很原始且持續變化的過程，對我來說很重要。」
（《山中之石, 石中之山》尺⼨依場地更改，⽯頭、⼤理⽯、⽊頭、紙張、感光乳劑、複合性⽔性樹脂，拍攝於倫敦 Back Room Gallery, 2022。照片提供：鄧安庭）
鄧安庭的工作室充滿著她旅遊中，所採集的自然現成物。每當她撿拾這些物件，她便會仔細觀察著這些物件原本所在的地方，去感受沿途自然形成的地景、石頭上的紋路，以及自身與大自然同在的狀態。從逐漸認識所在的地方，到她將這些連結性帶到創作，最後再與觀者銜接。她在展覽中的作品，如同工作室的陳設，每件事物都是息息相關，無論是細碎的、平面的、或是現成物，藉由乳劑和排列，將彼此串連在一起；好似人們走在大自然中，如走馬看花般所路過的山林及小石塊，它們點醒著觀者那些易被忽略的一花一草，都是構成廣大自然的一部分，並邀請著人們感受著自己與自然的共存。到頭來人們便會發現，從一塊小石塊的影像、紋路與質地，即可探究或聯想它原本所在的環境與經歷，甚至能隱約與其他作品拼湊出整個環境的輪廓；而這樣的環境，又是經由自然與人為的種種過程，呈現在你我面前；最終它將人們與廣大的時間軸與世界的浩然，相連在一起。
（鄧安庭工作室一隅。照片提供：鄧安庭 ）
靈光與創作同在
華特‧班雅明（Walter Benjamin）在〈機械複製時代的藝術作品〉一文提到：「當我們在某個夏日的午後躺下歇息，看著地平線上的山脈或注視那根投影在我們身上的樹枝時，我們便已浸潤在這片山脈或這根樹枝的靈光裡。」鄧安庭的創作過程，猶如在探索著靈光那「看似非常遙遠，但卻有可能近在眼前」的存在；在大自然的沉浸中，她感受到自身的渺小；而在精神上，則無意間有某些不可言說的存在與她相連。鄧安庭感受到了那股龐大卻沉默的力量，也讓她開始覺察自己處在自然當下的沈靜，並試著以同樣靜默的心境去觀察周遭的環境，和反思現在的生活帶給人們什麼樣的影響。
「這些石頭與自然的景色，迫使我更加關注一些我平常會忽略的東西，去特別的地方，以及更仔細地去感受這個世界。我覺得我們很常被這些電腦啊、手機啊，這些螢幕等的所圍繞，以至於對那種很原始的、很直覺的感知，好像已經慢慢沒有了。反而在創作時，能讓我可以去跟大自然有做連結，從中找到我們內心都渴望的一種無憂無慮。」鄧安庭希望自己的創作，能將她在大自然中所感受到的靜謐感也帶給觀者，使得觀者們也能從中感受到返璞歸真與共鳴，或是在這些破碎的照片中找到自己解讀的想像。
（⼭⾕，2022，5.5x27.5.5cm，紙張、⽊頭、感光乳劑。照片提供：鄧安庭）
鄧安庭的系列作《山中之石，石中之山》，毋需多餘的展覽說明文字與解讀，觀看時亦能自由冥想，及以純粹無雜念的心境去感受、欣賞作品。在這系列，我感受到來自於大自然那同時存在的親近與疏離、來自於藝術作品唯一性的存在，進而思考著：攝影或許會因為複製的特性而令靈光消逝，但當我們將它以跳脫媒材的既定印象去創作或觀看，是否有從攝影感知到靈光的可能？
或許我們對於靈光的覺察從未消失，只是當我們身處在機械複製的時代中，是否仍能感受到人類、藝術與自然間最純粹的連結？或是它最終將成為我們逐漸淡忘的鄉愁？到頭來，我們所感受到的，其實是身在其中的存在狀態。
小檔案（由鄧安庭提供）
鄧安庭。1995 年出⽣於台北，台灣。
鄧安庭是⼀位常駐倫敦的藝術家，2021年畢業於英國皇家藝術學院攝影學系。她的創作嘗試透過不同的形式，包括收藏、雕塑、裝置、替代性攝影技法和書籍製作，捕捉無常變化的世界中的靜止。透過圍繞材料和景觀的相遇，引發對我們與自然錯綜複雜關係的探討。從自然物件到人造物品往往是她探索的起點。這些材料既是單獨實體，也是集體故事的構成要素，創造了一個融合單一元素形成集體敘事的世界。這樣的集合展現了材料之間緩慢而細膩的狀態，透過物質性揭示了人類與自然之間的關係。
安庭的作品曾在台北、哥本哈根、杭州與倫敦展出。
《作者》
黃楚涵 Tsu-Han Hwang
臺北人，1989年生。在舊金山藝術大學攝影所鑽黑白暗房、古典顯影、複合媒材與攝影的關係。畢業後，除了探索照片中主體和環境的關係以外，也在思索如何運用不同的媒材賦予照片另一種新的生命，同時也保留留媒材本身的特性。並深信作品與創意的累積是來自人生各種磨練與經歷。
作品網站：www.tsuhanhwang.net
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